RAYON VERT - VITTORIA MATARRESE - BALLY FOUNDATION - 2023
Phénomène optique rare et fugace, le rayon vert apparaît au soleil couchant : avant qu’il ne disparaisse derrière l’horizon maritime, l’astre dégage une fine lumière verte le temps de quelques fractions de seconde. En réponse et en miroir à cette nature magique qui suspend les souffles et les regards, Adélaïde Feriot associe ce phénomène à une forme de contemplation méditative. Dans son œuvre, un ensemble de cinq sculptures, réalisées en plomb et en aluminium, paraissent étrangement flottantes et tout à la fois ancrées dans le sol. L’illusion de lévitation est créée grâce aux faisceaux de tissus teintés évoquant une fontaine de larmes jaillissant de visages argentés aux yeux clos.
Troublants et poétiques, ces visages suspendus sont en attente de corps venant les habiter, formant une polyphonie aux accents mythologiques. L’œuvre se fait tableau vivant et chœur grec : image-chair aux corps-statues qui se saisit d’un instant et l’étire dans la mémoire. En écho à son inspiration première, à ce rayon vert insaisissable, la durée de la composition est calquée sur le temps que met la lumière du soleil à atteindre la terre. D’une certaine manière, même en leur absence physique, les corps continuent d’habiter l’espace, comme si les œuvres s’étaient chargées, au travers du chant, de leur énergie. L’artiste crée ici un parfait équilibre entre paysage et corps, naturel et baroque, mouvement et immobilité. On comprend alors que la recherche d’Adélaïde Feriot porte sur la manière dont nous percevons les images et le temps en tant que matière vivante et plastique. Rayon vert s’inscrit ainsi dans un corpus plus large d’œuvres honorant horizons, saisons, astres et vents, recomposant des phénomènes naturels et des paysages évanescents au sein d’un espace tridimensionnel.
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BREATH - ANNA MILLERS - 2023
Qualité essentielle du geste vocal dans le bel canto italien, la morbidezza, repose sur la maîtrise du souffle. Elle désigne une souplesse intérieure qui s’exprime dans la voix du chanteur. La morbidezza, c’est aussi le frémissement des chaires de marbre des sculptures du Bernin qui, depuis le XVIIe siècle, semblent s’animer en silence. Figées dans le mouvement, elles traduisent à leur tour une plasticité intérieure ; la vie insaisissable d’une matière inerte. Son souffle.
Aujourd’hui, Breath nous amène à faire l’expérience de ce mouvement, celui qui relie le dedans au dehors. Travailler avec le souffle, c’est travailler avec un outil intérieur et projeter au-delà des limites du soi, une substance impalpable. C’est cet anima qui circule entre le corps de trois chanteuses (Marguerite Mousset, Jades Tournès, Thaïs Rai) et l’espace du musée. Afin qu’il nous soit perceptible, Adélaïde Feriot lui offre un véhicule : le chant. Il prend la forme d’une polyphonie à trois voix, comme les trois dimensions d’une sculpture d’éther ; car la polyphonie est nécessairement spatiale, se propageant de corps en corps, jusqu’à résonner dans celui qui écoute. Composée avec Héloïse Derly, la mélodie entrelace l’humanité des chants traditionnels géorgiens et la mécanique des transes répétitives de Steve Reich et Philip Glass. Elle se place, par cette double filiation, à la frontière entre l’émotion et la machine, le vivant et l’inanimé. L’harmonie réside à nouveau dans la maîtrise du souffle, cette mécanique d’allers-retours, dans laquelle s’exprime le mouvement primordial de la vie.
Renouant avec la tradition du tableau vivant, Adélaïde Feriot fait de Breath une sculpture vivante. Si le corps des chanteuses est immobile, leur voix les anime comme la morbidezza fait trembler Daphné sous sa peau de Carrare. Alors qu’elle se transforme en laurier, le dieu Apollon « serre la tige de sa main, et sous sa nouvelle écorce il sent palpiter un cœur » (Ovide, Les Métamorphoses, livre I). Les rameaux de Daphné fleurissent désormais sur les mains de Jade, Marguerite et Thaïs. Leurs doigts s’hybrident de parures en fonte de plomb recouverte de feuille d’argent. A mesure que les mains se figent et que le chant s’essouffle, les bandes de tissu teintées à l’encre qui prolongent leurs membres s’enracinent. Lorsque le silence s’installe, les corps se remettent en mouvement, amorçant un nouveau cycle et reprenant leur souffle avant un autre chant.
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SUMMERTIME - SARA DUFOUR - 2023
Summertime est une invitation à un voyage au cœur de l’été et de ses chaudes soirées. S’inscrivant dans le thème classique des saisons, tout en renouvelant l’approche à travers le rôle donné à la lumière et aux couleurs, ce paysage abstrait constitué d’un fondu de couleurs chatoyantes de 12 mètres de long est un avant-goût de ce moment propice à la contemplation, où le temps semble enfin ralentir. Éblouissement face à la lumière crue du soleil ou d’un ciel d’été après l’orage, Adélaïde Feriot saisit cette image évanescente et tente de fixer l’impalpable. S’attachant davantage à exprimer une atmosphère qu’un détail ou une action, l’artiste inscrit ainsi ses coups de pinceaux dans ceux de ses illustres prédécesseurs impressionnistes. Les notes sombres qui ornent par endroit les dais de tissus immiscent un sentiment d’inquiétude, comme si l’on basculait de l’insouciance à la gravité. Feux et canicules auraient-ils définitivement remplacé l’indolence des vacances ?
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STORMY WEATHER - FÖHN - 2022
Selon la Nasa, il y aurait à tout moment sur la planète environ deux mille orages produisant environ cinquante flashs de lumière par seconde. Lorsque les éclairs frappent la Terre, ils créent des ondes électromagnétiques à basse fréquence qui englobent la planète. Ces ondes s’appellent les Résonances de Schumann, ce sont des fréquences électro-magnétiques de faibles fréquences générées par la terre, que l’on mesure partout dans le monde.
On appelle également cette fréquence “le son de la Terre”, elle résonne en chacun de nous et nous connecte à elle. Composée d’un ensemble de pièces en tissu teinté et d’un chant interprété par deux chanteuses invitées : Jade Tournès, Sarah Charles, Stormy weather déploie de grands pans de velours suspendus aux couleurs de ciels orageux. Le chant est composé comme un paysage sonore pour deux chanteuses.
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POLARIS - LEÏLA COURADIN - 2022
Invitée pour la première exposition de la saison au Polaris, Adélaïde Feriot, faisant écho au nom de la structure comme à l’étoile polaire qui indique immuablement le pôle nord céleste, présente une exposition aux allures d’aurore boréale. Ici, l’affaiblissement du champ magnétique de la terre révèle la fragilité du monde. Le nom du lieu, évoquant à l’artiste la migration des pôles, l’invite à réaliser une œuvre totale, au cœur du bâtiment circulaire du Polaris.
L’artiste questionne les manifestations perceptibles des éléments en composant un tableau où les fragments de corps semblent en attente d’activation.
Rappelant la pratique antérieure à la photographie du « tableau vivant » – qui présente au public des scènes fixes habitées par des corps – l’artiste nous invite à nous projeter, à notre tour, dans l’image.
Encres et tissus composent un paysage onirique peuplé de corps-sculptures. L’artiste questionne les manifestations perceptibles des éléments dans un tableau déployé au-delà de là toile, où les fragments de corps semblent en attente d’activation. Les phénomènes naturels, omniprésents dans le travail d’Adélaïde Feriot, entrent dans l’espace d’exposition. Tout ici est à la fois immuable et éphémère, à l’image d’un environnement vulnérable, qui accueille autant qu’il menace. Entre le velours peint à l’encre (notamment de seiche), et le mouvement suspendu des silhouettes éthérées, le temps est cyclique ou fugace.
Les pieds nus posés au sol, en bronze et en plomb, figurent des corps qui se délitent. Ces personnages de métal et d’alliage suggèrent les procédés d’alchimie et les questions métaphysiques qu’ils induisent. Rappelant la pratique antérieure à la photographie du « tableau vivant » – qui présente aux spectateurs·rices des scènes fixes habitées par des corps – l’artiste nous invite à nous projeter, à notre tour, dans l’image.
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BROUILLARTA - AUDE NOGUES - 2022
Lors de son séjour sur le domaine d’Abaddia, Adélaïde Feriot a développé plusieurs projets spécifiques dont Brouillarta qui se déploie dans l’espace de la Station V. Des éléments en métal issus de moulage, des textiles colorés, plus abstraits, laissent apparaître un paysage mental, souvenir ou rêve.
L’accessoire
L’installation Brouillarta serait un tableau , un paysage avant la tempête, une œuvre dramatique, un Ontario peut-être ; le vocabulaire formel est posé au préalable, des parures de métal, des tentures, qui laissent en suspens un évènement météorologique, fugace, sauf à le jouer comme une scène. Les objets sont dépositaires de gestes : les gestes de leur fonction - moulage, couture, teinture - les gestes qu’ils pourraient générer comme des accessoires de plateau. L’accessoire, pris ici dans son caractère exclusif - ce qui n’est pas le corps des acteurs - prend la place de l’œuvre, tel qu’on l’attend. Se référant volontiers à la peinture, Adélaïde Feriot dénoue l’ellipse propre à la
représentation, elle donne forme à la faille, temporelle et spatiale, dans l’espace d’exposition. Du côté de Sonia Delaunay - plutôt que Robert - ses artefacts sont des tropes in absentia.
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INSULAIRE - CAMILLE FLORANCE - 2022
Insulaire, c’est une vie à deux temporalités. La première est silencieuse, couchée au sol, appartenant à la temporalité longue de l’exposition. C’est l’état inerte du dessin schématique représentant notre vision binoculaire, ancré au sol comme un tapis. Sa seconde vie est celle de son activation ponctuelle par un corps, prêt à le prendre sur lui comme une cape, à s’en recouvrir, à s’en absorber dans le temps propre à la méditation. Plus qu’une performance, il s’agit d’un état contre-performatif : dans l’instanciation d’une respiration, un calme émerge du dessin pour faire île. Insulaire est une vie de renouvellement. Dessin il devient costume, inerte il habille pour faire image avec le corps qui l’emprunte, comme un tableau vivant, énergique, stable. Passées les portes de son atelier, les œuvres d’Adélaïde Feriot ne sont jamais figées : elles n’attendent toujours que leurs prochaines métamorphoses.
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IMMENSE L'ÉTENDUE DES EAUX - LOU MATTHIEUSSENT - 2022
Immense l’étendue des eaux capture un océan avec ses différentes couches et sous-couches, sur lesquelles viennent se poser deux yeux, transformant ainsi le pan de soie d’Adélaïde Feriot en un paysage-personnage qui habite l’espace. La crêpe de soie, matériau support de l'œuvre, est assimilée à l’encre de seiche par la teinture mais aussi par leur origine commune : toutes deux proviennent de sécrétion animale. Adélaïde Feriot organise donc une rencontre entre le naturel et l’artificiel, entre les métiers d’art - le textile et la fonderie (les yeux sont fondus dans de l’aluminium, et semblent même fondre en larmes). Elle gomme ainsi les frontières. L’œuvre est aquatique, elle s’adapte aux mouvements des remous et des vagues. Elle nous confronte de son regard argenté, comme irradié par le reflet du soleil qui embrasse cette Immense étendue d’eau.
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NUIT LAVANDE - CAROLINE COURNEDE - 2022
Déployant une forte charge poétique et méditative, le travail d’Adélaïde Feriot envisage le temps et l’espace comme matières sculpturales mettant en évidence les relations entre être vivants, objets et phénomènes naturels. Constituée de soie teintée à partir d’un mélange d’éléments naturels et de bleu de méthylène, Nuit Lavande est d’abord la capture d’un ciel pollué. Aérien, le tissu suspendu traversé de bandes colorées et d’un poème, est l’expression chromatique subtile d’un ciel à la tombée de la nuit. Silencieuse, la pièce s’attache à la transcription d’une perception physique et à l’expression d’un ressenti. Nuit lavande est ensuite une activation performée accompagnée d’une pièce sonore d’Héloïse Derly qui capture les souffles des performeurs. La charge de la présence physique des corps au sein de l’espace transparaît alors à travers la fragilité de ces souffles avant de s’incarner par un chant polyphonique, moment où la vibration fait résonner ensemble, espace, interprètes et spectateurs.
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NOTES ON THE WORK ON ADÉLAÏDE FERIOT - ISABELLA MAIDMENT - 2021
Squid ink; blackberry; elderberry; methylene blue; velvet; silk; cotton; lead; polyvinyl chloride; charcoal; flowers; saffron; St John’s wort; wax; blue aragonite; voices; breath – a brief inventory of the stuff of Adélaïde Feriot’s work hints at her fascination with the sensorial experience of life and the wildness of nature.
Feriot’s practice is a poetic and meditative exploration of the relationship between living beings, objects, and natural phenomena. Her poetically titled works variously take the form of tableaux vivants; delicately-cast lead sculptures suspended on coloured cotton; sumptuous velvet capes, and ethereal silk installations hand-tinted by the artist with a cocktail of plant pigments. Feriot’s works operate as double agents, as both objects to be displayed and engaged in active dialogue. The charged space between the art object and the spectator/performer is the space in which Feriot’s work oscillates freely.
Feriot tends not to work with professional performers preferring instead to connect with friends, or acquaintances, with whom she feels a natural affinity who bring to the work their own energy and imbue it with a specific charge. An element of intuition is central to her work. Sound and song are important too, in particular the collective power of the polyphony. Feriot’s live iteration of Regarder le Soleil 2019 involved a choir accompanying the setting of the sun while Nuit Lavande 2019, captured the voices and breathing of 15 performers set against a polluted, urban night sky.
Though based in Paris, Feriot is originally from the South West of France and keeps a studio five minutes from the ocean as a means to retain a close connection to the landscape and the natural environment. The celestial skies have occupied a significant place in her work to date. For her weekend long presentation at Centre Pompidou in late June, Feriot has created two new works titled Aux Doigts de Rose Odyssée I & II in reference to Homer’s epithet ‘when rosy finger dawn appeared’. Feriot’s own homage to that image of the early morning skies takes the form of two pieces each for one person: two generous velvet discs measuring 170cm in diameter which she conceived as an attempt to capture the aurora boreal of the northern hemisphere and the aurora austral of the south. Inscribed into the inner lining is a written score for the performer-inhabitant to interpret.
Aux Doigts de Rose Odyssée I & II will be silently inhabited by two performers in the museum’s collection galleries in close proximity to the work of Mark Rothko in all its solemn, meditative splendour. It is a fitting history of abstraction for Feriot’s work to be inserted offering of a welcome invitation– in this year of all years –to share a fleeting moment of contemplation and reverie.
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OCTOBRE, VENT QUI PLEURE - MARJOLAINE LEVY - 2021
À la fin du XIXe siècle, au cœur d’un presbytère isolé dans la campagne new-yorkaise, le révérend Simeon Pease Cheney (1818-1890), sensible aux bruissements de la nature, compose, longtemps avant Olivier Messiaen et Yoko Ono, Wood Notes Wild, Notations of Bird Music : une traduction musicale de tous les chants d’oiseaux, souffles du vent et autres bruissements de la forêt entendus et notés pendant une vingtaine d’années. Dans une nouvelle traduction, textile cette fois, Adélaïde Feriot tisse les lignes musicales de la partition de Cheney comme pour faire « revivre » l’écosystème à jamais disparu qu’avait connu le pasteur américain. Saisir des aurores boréales et australes (Aux doigts de rose I et II, 2021), des ciels orageux (Insulaire (avant l’orage), 2016-2020) ou des vents qui pleurent (Octobre, vent qui pleure, 2021), puis transposer ces phénomènes naturels dans des objets tridimensionnels, capes de velours ou patchworks de coton déployant une subtile palette de couleurs, voilà ce à quoi s’adonne l’art de Feriot, grâce à l’emploi d’une fibre se déployant dans l’espace. Pareilles œuvres, qui offrent une dimension optique et haptique à l’évanescence des éléments, confirment le rôle décisif joué par la traduction, la transposition dans l’engendrement de la plastique contemporaine.
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OCTOBRE, VENT QUI PLEURE - MARJOLAINE LEVY - 2021
In the late nineteenth century, in the heart of an isolated presbytery in the New York countryside, Reverend Simeon Pease Cheney (1818–1890), sensitive to the sounds of nature, long before Olivier Messiaen and Yoko Ono, composed Wood Notes Wild: Notations of Bird Music, a musical translation of all birdsong, breaths of wind, and other sounds of the forest heard and noted down for about twenty years. In a new translation, this time of the textile variety, Adélaïde Feriot weaves the musical lines of Cheney’s score to “revive” the ecosystem that the American pastor once knew, now gone forever. The art of Feriot is devoted to capturing aurora borealis and australis (Aux doigts de rose I et II, 2021), stormy skies (Insulaire (avant l’orage), 2016–2020) or winds that cry (Octobre, vent qui pleure, 2021), then transposing these natural phenomena as three-dimensional objects, velvet capes, or cotton patchworks deploying a subtle palette of colors, through the use of a fiber that is deployed in the space. These kinds of artworks, that offer an optical and haptic dimension to the evanescence of the elements, confirm the decisive role played by translation or transposition in creating contemporary art.
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CARBONE - SARAH MERCADANTE - 2020
Est-il possible aujourd’hui de capturer la beauté du vivant sans aborder l’impact des comportements humains sur elle? Adélaïde Feriot choisit d’aborder cette question en accordant une place centrale au corps, afin de retranscrire son potentiel sensible d’observation. Elle livre ainsi par son travail des environnements capturés, réminiscences d’expériences vécues et partagées collectivement.
Pour son exposition à Art3, l’artiste propose une installation - Carbone - dressant le portrait symbolique d’un paysage que les flammes auraient entamé. La porte franchie, un panorama brumeux dévoile une nature figée dans le temps. Pris par le feu, les vestiges poudrés d’un chêne majestueux couvrent les murs. Des éléments naturels, fondus dans un matériau natif, le plomb, structurent l’espace, comme des corps emprisonnés sous les cendres. Chardons et roses trémières se déploient sur les murs, plantes sauvages à la propagation difficilement encerclable par l’homme, ici maintenues par des fils de plastique aux couleurs fluo. Suspendues au plafond, des mains soutiennent des rameaux de laurier. D’apparence immuable, les sculptures s’équilibrent pourtant grâce à un subtil jeu de répartition des forces qui les empêchent de ployer sous leur propre poids.
L’installation construit une évocation poétique d’une nature asphyxiée, et maintient une tension effective et ambivalente à la toxicité. Celle des composants nocifs pour l’homme - la poudre de charbon inhalée, le plomb touché - et celle des matériaux de consommation nuisibles pour la nature - les fils de plastique fluo, mimant la stratégie des plantes grimpantes, s'entremêlent et se propagent. Illustrant la résilience humaine face à cette distension, un chant polyphonique s’élève, qui vient charger Carbone de ses vibrations. Les voix se mêlent, recherche d’une balance entre essoufflement et persistance, soulevant subtilement la contradiction entre un milieu naturel consommé, consumé, et la manière dont l’homme y insuffle une nouvelle vie.
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AVALER L'HORIZON - ELODIE VITRANO - 2019
Une spirale - marque l’entrée
d’une fin de jour où la pénombre s’est installée.
Nous sommes au Palais de Tokyo.
Dédale de colonnes sur un sol de béton courbe.
Adélaïde Feriot habite l’espace de la galerie basse
dans le cadre de son invitation à la Manutention.
Imaginée et lancée par Vittoria Matarrese depuis 2017,
la Manutention est un mois de résidence où l'on dompte un espace pour expérimenter autour de sa
propre pratique.
AVALER L’HORIZON
Les lumières guident notre regard,
se fixent aux volumes de matières - sculptures,
aux corps - de spectateurs en ombre
qui habitent déjà l'espace.
Le froid de la journée se dissipe
quand le silence s'interrompt.
L'horizon se déploie
Cercle de regards masqués.
Regarder le soleil - pièce créée pour SUZANNE
et composée par Kerwin Rolland.
Onze empreintes - leirs propres visages
aux yeux clos, nous apparaissent.
Notes suspendues entre lesquelles leurs voix
résonnent.
Cadence incarnée.
La nuit tombe quand s'arrête le métronome.
Bleue, l’heure reprend des couleurs.
Le sol est nappé de velours.
Les airs sont tissés. Notre regard file.
Des lignes nous guident, vers l'horizon.
Du ciel, des fils tombent
à - plomb, roses trémières et chardons - emprisonnés.
Les touches de melodica font voix.
Héloïse Derly active Saudade.
Voie entre le passé et l'instant présent.
Les spectateurs s'éloignent du soleil,
aspirés par l'horizon.
Les tableaux s'activent à mesure que le jour déclin.
Une métamorphose portée aux mains évoque Daphné
- touchée par la flèche d'Apollon.
Laurier, fin d'un amour à la fin d'un jour.
Prisonnière d'un feuillage, sa transformation s'active
mais ne la fige.
Ana Rita Teodoro se déploie.
Son corps - transparent, est mobile dans ce ciel inifini.
Les soies qui l'habillent
et que portent chacun des performeurs,
collaboration avec Pierre-Antoine Vettorello,
font - sculptures.
Minérales et végétales, ces teintures lient leur
singularité d'interprète.
Dans notre progression nous touchons les mers.
Les corps sont trois,
au sol - aquatiques et en voix.
Leur écho continue forme des nappes
à la lumière d'une plage où les corps corail résonnent.
Brune, polyphonie pour trois voix.
Les spectateurs mobiles,
témoins hypnotisés -continuent leur progression.
Nous entrons dans les strates du ciel,
lames d’âmes -d’un bleu devenu violet.
Quinze corps se font faces
-perpendiculaires à l’horizon.
Synthèse de pigments et de souffles
résonnent et nous enrobent.
Nuit lavande pour voix.
Les corps célestes sont devenus vapeurs.
Nuit lavande silencieuse.
Trois fois deux heures se sont écoulées.
Fin des poèmes vivants.
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AVALER L'HORIZON - ELODIE VITRANO - 2019
A spiral -marks the entrance
to the end of the day where darkness has sett- led.
We are at the Palais de Tokyo.
A labyrinth of columns across a curved concrete floor.
Adélaïde Feriot inhabits the lower gallery space as part of an invitation to La Manutention.
Imagined and launched by Vittoria Matarrese in 2017.
La Manutention is a month long residency where artists take over the space to experiment
with their practices.
AVALER L'HORIZON
Lights guide our eyes,
illuminating volumes of material-sculptures, bodies of spectators’ shadows
who already occupy the space.
The cold of the day dissipates
when the silence is broken.
The horizon unfolds.
A circle of masked figures.
Regarder le soleil– a piece created for SUZANNE
and composed with Kerwin Rolland.
Eleven imprints– faces
with closed eyes– appear.
Hanging notes between which their voices resonate.
Embodied cadence.
Night falls when the metronome stops.
Blue, the hour becomes colours.
The floor is covered with velvet.
The tunes are woven. Our eyes travel.
Lines guide us towards the horizon.
From the sky, threads fall
–pendulums, hollyhocks and thistles– imprisoned. The melodica keys create a voice.
Héloïse Derly activates Saudade.
A path between the past and the present.
The spectators move away from the sun, breathing through the horizon.
The works activated as the day wanes.
A handheld metamorphosis evokes Daphné -touched by the arrow of Apollo.
Laurier, end of a love at the end of a day. Prisoner of leaves, her transformation is activated but doesn't freeze her.
Ana Rita Teodoro unfurls.
Her transparent body is mobile in the infinite sky.
The silks that dress her
and that each of the performers wear,
a collaboration with Pierre-Antoine Vettorello, become sculptures.
Mineral and vegetable, these dyes link their singularity of interpretation.
In our progression we touch the seas.
The bodies are three,
on the ground -aquatic and in voice.
Continuous echoes form blankets
in the light of a beach where coral bodies resonate.
Brune, polyphony for three voices
Mobile spectators,
hypnotized witnesses -continue their progression.
We enter the strata of the sky,
soul blades -blue turned purple.
Fifteen bodies face each other -perpendiculars on the horizon.
Synthesis of pigments and breathing resonates and encapsultes us.
Nuit lavande for voice.
The celestial bodies have become vapours.
Nuit lavande for silence.
Three times two hours have passed.
End of living poems.
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SUR LE BOUT DE LA LANGUE - JUAN CANELA - 2019
A velvet fabric placed on the floor of an old cigarette factory toilets area
a series of wax sculptures reminiscent of human feet prostheses floating above a blue sky-field
it seems they want to enter the disparate colour-tones triangle-made forest in front
but they don ́t know how. Or it exists an invisible force that prevents it
in certain moments, a guy and a girl enter the space posing on tip-toes on the blue sky close to the wax-feet, trying to fixate that which is not meant to be fixated
they go up and down up
and down up
and down
establishing a secret conversation with the wax-feet formulating a plan to dance around the colour flame-tongues
touch me,
touch me,
touch me with the tip of your tongue while my toes go up and down
the bodies radiate with intensity and are now susceptible to malleability at the same time
the fire-tongue is consuming the skin of the workers
as a cigarette burns in a quite sunny winter morning
while the shadow-trees brings some fresh-breeze to the room
“Under the skin of the body there is an over-heated factory” Antonin Artaud said once
It is cold in the room, sometimes
our clothes are prosthetic extensions that are able to define the way we move and behave
at certain moments there are more people inside looking at the guy and the girl
going up and down
the old woman with the big brown old coat stands in front of them still
while her mind flies away to another time and another territory
it was warm back then, she was barefoot on the fresh grass
and she can remember exactly a little movement she did back then with her shoulder
and the feeling of the sweaty skin against the blue-jean shirt she was wearing
Our bodies are shaped by our relations with the world surrounding us movements, temporality, rhythm
the working motion choreographies of the factory when the heat of human bodies in action was mixed up with the heat of the machines
the expected movements coexist then with the improvised, which the unconscious and uncontrollable
the disciplining of bodies through architectural, social or tactile-kinetic givens and the very impossibility of this
resilience, my friend.
small imperceptible personal and common spaces inhabited by resilience
an indistinct secret conversation that leads to a movement...
...the little movement of a tip-toe, or the proxemics between human bodies and how we unconsciously structure micro space in our daily transactions
touch me,
touch me,
touch me with the tip of your tongue while my toes go up and down
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SCULPTER, FAIRE À L'ATELIER - CLAIRE KUENI - 2018
Du théâtre et des arts appliqués qu’elle a pratiqués avant son entrée aux Beaux-Arts, Adélaïde Feriot a conservé la présence des corps en mouvement et l’attention portée aux matériaux et à l’exécution manuelle. De ses études en école d’art, elle a retenu une expérience du temps ralentie, constitutive de son oeuvre. Centré sur la réalisation de « tableaux vivants » (représentations faisant intervenir des personnes dans des poses statiques pour « capter l’instant » et donner à voir une image plutôt qu’un spectacle ou une performance), le travail d’Adélaïde Feriot joue sur l’ambiguité de la présence et de la temporalité des corps, fixes et en mouvement, vivants et pétrifiés, présents et absents. En l’absence des corps, les pièces existent de manière autonome, comme une autre forme de sculpture du temps.
Sur le bout de la langue, « tableau pour un couple », est composé d’un long tapis en coton et triangles de velours assemblés qui, comme des vagues arrivant sur la plage ou comme des flèches, désignent le lieu où se tiennent les corps : ceux, réels, des deux personnes immobiles , et ceux, en absence, matérialisés par quatre paires de pieds en paraffine blanche suspendues au plafond par des câbles qui les maintiennent sur la pointe et rejouent la position des corps. Les pieds isolés, comme le titre de l’oeuvre, reflètent l’importance, dans le travail de l’artiste, de ce qui est mais nous échappe, nous est insaisissable : les souvenirs, les fantômes et, par-dessus tous, le temps.
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INSULAIRE, AVANT L'ORAGE - MATHIEU LOCTIN - 2017
Insulaire (avant l'orage) est une œuvre d’Adélaïde Feriot datée de 2016 qui se présente sous la forme d’un tableau vivant mettant en scène un personnage. Elle fait suite à Insulaire, créée en 20141 et repose sur un principe équivalent. Ici, une pièce de tissu dessinant un arc chromatique est posée au sol durant la majeure partie de la performance. À un moment donné, une jeune femme s’en saisit et la porte sur ses épaules à la manière d’une cape. Elle se dresse alors immobile devant les spectateurs et reste ainsi jusqu’au terme de la performance. Les couleurs de cette pièce de velours et de coton proviennent d’un souvenir précis de l’artiste d’un ciel du 28 mai 2016 à Paris précédant un redoutable orage. Comme souvent dans son travail mais plus remarquablement encore ici, l’œuvre est une tentative de capture d’un instant sans l’aide d’un moyen d’enregistrement mécanique, un instant que l’artiste chercherait à faire perdurer, comme soustrait à toute temporalité. Jouant sur des effets d’attente et de suspension, Adélaïde Feriot élabore une œuvre contemplative tenant à distance tout effet de spectacularisation. Comme un instant de calme avant l’orage étiré à l’infini.
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ADÉLAÏDE FERIOT - LE SPECTACLE INVERSÉ -JULIE PORTIER - LE QUOTIDIEN DE L'ART - 2014
Une nuit à Paris, on aperçu une ombre au balcon, un personnage posté en hauteur, habillé d’une cape et tenant sur sa bouche un longues conique (Le belvédère, 2012). La figure réapparaissait en plein jour à Turin, perchée sur une balustrade des Archives nationales, dans la salle des cartes, négligemment adossée à une voûte, le visage enfoui dans ce cône de cire. Sur une mezzanine vitrée (un autre espace suspendu), au coeur de l’agitation de la foire Docks Art Fair (à Lyon en 2013), trois figures, toujours immobiles, toujours jeunes et féminines, regardaient au loin, deux d’entre elles pourvues d’un demi-disque de verre dépoli placé juste sous les yeux, la troisième, produisant de ses mains des ombres chinoises invisibles. Au sol, était posé un dessin de sable coloré du champ de vision entre l’oeil droit et l’oeil gauche (Insulaire, 2013). Ces personnages ont été vus dans l’ancienne station thermale de Pougues-les-eaux (Parc Saint Léger) à travers la verrière du pavillon des sources, tapissé de feuilles mortes qui tombaient au dehors. En réactivant la tradition pré-photographique du tableau vivant, Adélaïde Feriot produit une chaîne de décalages dont l’effet le plus remarquable est le démantèlement du spectacle. Cela fut peut-être annoncé par la lente performance intitulée L’hésitation (2012), au cours de laquelle une actrice installée à un bureau détruit méthodiquement un kaléidoscope. Elle pratique aussi le transfert ou l’aplatissement d’images stéréoscopiques, annulant l’effet tridimensionnel contre une superposition spectrale. Ses ‘poses », comme elle les nomme - car elles étaient d’abord un moyen de « prolonger la présence du modèle dans l’atelier » - suspendent l’action et détournent les regards. Celui des modèles étant toujours porté au loin, dissociant les corps présents de leurs âmes absentes, de sorte que rien ne (se) passe, que tout résiste et d’abord le désir que suscite la sensualité des modèles, reportée sur les objets d’une facture extrêmement délicate.Mais surtout, l’avidité, que la facilité technique a rendu incontrôlable dès qu’une sensation visuelle nous prend, de capturer l’image est par nature contrariée par celle-ci en chair rose et périssable. Empêché, le spectacle est même retourné, dans cette situation où le modèle est également l’observateur, absorbé par l’action de viser (conjurant par là la hiérarchie genrée accolée à l’histoire de la peinture).
Cette présence paradoxale dans un espace-temps insulaire est aménagée avec la même précision dans les installations qui présentent les objets « désactivés ». Ce sont des instruments de vision ou des attributs pour se rendre visible, à l’exemple de la cape (Insulaire, 2014), des échasses (L’étang, 2013), ou de ce cône utilisé par les perruqiers pour protéger leurs modèles pendant le poudrage. Semblant avoir été abandonné depuis longtemps ou encore chaud de leur dernier usage, ils sommeillent sur la promesse d’être un jour réactivés, ce à partir des partitions (avec le système de notation Benesh) qui définissent le protocole de chaque tableau.
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LE FRAGMENT D'UNE COMPOSITION - FABIENNE BIDEAUD - 2013
Objets indiciels, énigmatiques, charismatiques – miroir porté à hauteur des yeux, kaléidoscope utilisé comme longue vue, cône de cire porté au visage – sont les éléments à partir desquels se déploient les tableaux vivants, comme les nomme Adélaïde Feriot. Elle compose des scènes, des images, dans lesquelles des acteurs, des performeurs, prennent place au sein d’objets, de textes, de photographies, de sculptures, d’écritures, de postures. L’évolution d’objets par rapport au corps et à l’espace intéresse l’artiste dans son déploiement de possibles narrations.
Le tableau vivant est un concept qui fut et est souvent utilisé en danse pour figer les postures et décomposer les mouvements. Ce principe allie la danse et la peinture. Adélaïde Feriot s’appuie sur la performance et la mise en scène d’éléments pour dérouler une narration codée qu’elle propose au spectateur. Le corps et les objets s’y côtoient. Si le corps tend à disparaître de la composition, le spectateur prendra sa place et deviendra le liant nécessaire à l’activation du tableau.Tout est orchestré, étudié, analysé, par l’artiste pour ainsi maîtriser le processus entier de l’ensemble. Jusqu’ici produit en intérieur, l’artiste souhaite réaliser prochainement un tableau vivant en extérieur, sur le banc d’Arguin en Gironde, qui tiendra compte du rythme naturel de ce nouvel environnement : les marées, le mouvement du sable, le climat. La restitution de ce dernier est la seule issue possible pour faire exister l’oeuvre auprès du spectateur. Une nouvelle étape s’amorce ici dans la pratique de l’artiste.
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WATERFALL’S FOAM - PAUL BERNARD - 2013
From the myth of Narcissus reworked by Alberti to Gerhard Richter’s considerations, art theory has taught us to see the mirror as a powerful emblem of painting. Above all, as the potential surface of all images and all illusions, it allows an out-of-frame space to be included and enables our gaze to encompass what is placed beyond the threshold of the image – ourselves included, as spectators. It is one of the preferred themes of 17th century Dutch painting and I would like to say a few words about Vermeer’s The Music Lesson. A mirror is placed above a young girl with her back to us, engrossed in her music lesson. In her reflection, we can see the feet of an easel but the body of the painter is not shown. Above all, the young woman’s face revealed by the mirror is turned to a three-quarters view, despite the fact that she is sitting upright. The absence of the painter and the displacement of the young woman could lead us to think that the moment frozen in the reflection has been deferred by a few seconds with respect to the moment captured in the overall frame.
These games of optical offset and temporal disturbance, this feeling of absence or of the intuition of a presence can be found in various ways in what Adélaïde Feriot is presenting at Angle Art Contemporain. Beyond the mirror theme, the exhibition as a whole has a crystalline aspect to it: images and forms float, diffract, reflect, and crystallise there. After all, the space of the art centre itself – with all of its angles and elevations – is well suited to this. But it is an imperfect crystal, with its “impurities”, roughness, and leaks. Each appearance of an image in this tiny specular maze is, inherently, no more than the imminent announcement of its dissolution.
Hence Insulaire is presented as a velvet carpet that reworks an optical schema: the spectrum of what the left eye sees (in yellow), the right eye (in blue) and our zone of understanding of the three dimensions (where the spectrums intersect, in green). The carpet is actually a cape, which will be worn for a while on the evening of the exhibition opening, in a tableau vivant. An “optical” cape brought to life for a short spell, only to eventually be deactivated, restored to the status of a remnant. In the adjoining room, under the same title, the furniture props of an older tableau vivant are to be found, featuring a clearly suggested pose, while a colourful schema is diffracted against the walls. Something has taken form before fading into the blind spots. Island imagery, from somewhere other than the continent, is more basic, circumscribed, clear as a crystal, and yet actually contains riddles and ghosts: a mysterious island, an isle of the dead, the island of Villings perhaps.
Continuing the crystalline theme are the stereoscopies of a gallery of sculptures (L'allée) or a licentious dance (Suzanne) that the artist transfers on damp paper. The stereoscopic device is meant to reproduce three-dimensional vision and enable us to penetrate old images and go back in time. Here, it is spattered with a milky mist. Like the mirror that eclipses a paraffin fan in half (Sérum), our eyes suffer from cataracts – literally from an opacifying of crystal clarity. Paraffin is a waxy and slightly translucent material that recurs throughout the exhibition. With a shifting pedestal that two shoetrees are fixed onto (Les Pas Perdus) or oozing mother-of- pearl from a shell (Sous le lac gelé), Feriot hesitates between generating and engulfing forms.
Elsewhere, wax cones – instruments from the tableau vivant Le Belvédère – find themselves redeployed in Sarabande. “In situation”, they have erased their operators’ faces and borne their cataracts to the point of achieving sublime diaphaneity. Once the tableau vivant has faded, they arrange themselves as still life: they wilt and wither, as though the manipulation that has visibly marked them has resulted in a transfer of substance, from skin to wax.
“We are born in a crystal, but the crystal retains only death, and life must come out of it, after trying itself out,” wrote Gilles Deleuze in The Time-Image. Similarly, here, the artworks bear the mark of a life that has tested them: lone gloves (L’Appréhension), or rusted stilts (L’Étang). Crystal has caused life to retreat, while retaining only remnants and a few simulacra. The macabre figures that remain, drawn in bleach on fabric, heckle in the dark of the subconscious. Could it be their dance that veils our gaze, renders the crystal opaque, and forms the foam of these cataracts?
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L’ÉCUME DES CATARACTES - PAUL BERNARD - 2013
Du mythe de Narcisse revu par Alberti aux considérations de Gerhard Richter, la théorie de l’art nous a appris à envisager le miroir comme un emblème fort de la peinture. Surface potentielle de toutes les images, de toutes les illusions, il permet surtout d’inclure un hors-champ et nous faire étreindre du regard ce qui se trouve placé en deçà du seuil de l’image – nous, spectateurs, y compris. La peinture hollandaise du xviie siècle en fait l’un de ses motifs privilégiés et nous voudrions dire quelques mots sur Gentilhomme et dame jouant de l’épinette de Vermeer. S’y trouve un miroir au-dessus d’une jeune fille nous tournant le dos, affairée à sa leçon de musique. Dans le reflet de celui-ci apparaissent les pieds d’un chevalet sans pour autant donner à voir le corps du peintre. Surtout, le visage de la jeune fille révélé par le miroir est tourné de trois-quarts alors que celle-ci se tient droite. Cette absence du peintre et ce décalage de la jeune fille pourraient nous amener à penser que l’instant figé dans le reflet est différé, de quelques secondes, de l’instant qui l’encadre.
Ces jeux de décalage optique et de trouble temporel, ce sentiment d’une absence ou d’intuition d’une présence se retrouvent à divers niveaux dans ce que propose Adélaïde Feriot à Angle art contemporain. Plus qu’un miroir, l’exposition dans son ensemble a quelque chose d’un cristal : images et formes y flottent, se diffractent, se reflètent, se cristallisent. Après tout, l’espace même du centre d’art, tout en angles et élévations, s’y prête bien. Mais c’est un cristal imparfait, avec ses « crapauds », ses aspérités, ses fuites. Et de fait, chaque apparition d’image dans ce petit labyrinthe spéculaire n’est que l’annonce imminente de sa dissolution. Ainsi Insulaire se présente comme un tapis de velours reprenant un schéma d’optique : le spectre de ce que voit l’œil gauche (en jaune), l’œil droit (en bleu) et notre zone d’appréhension des trois dimensions (là où les spectres se croisent, en vert). En fait de tapis il s’agit d’une cape qui sera portée quelques instants le soir du vernissage dans un tableau vivant. Une cape « optique » un temps incarnée, pour finalement être désactivée, rendue à l’état de reste. Dans la salle attenante, et sous le même titre, on trouvera le mobilier accessoire d’un tableau vivant plus ancien où?la pose est clairement suggérée tandis que le schéma coloré est venu se diffracter sur les murs. Quelque chose a pris forme avant de s’évanouir dans les angles morts. Des images insulaires, d’un espace autre que le continent, plus simple, circonscrit, limpide comme un cristal, mais qui recèle en vérité énigmes et fantômes : île mystéRieuse, île des morts, île de Villings peut-être.
Cristallines encore, les stéréoscopies d’une galerie de sculptures (L’allée) ou d’une danse licencieuse (Suzanne) que l’artiste transfère sur du papier humide. Dispositif censé reproduire la vision en trois dimensions et nous faire ainsi pénétrer de vieilles images, remonter le temps, la stéréoscopie se macule ici d’une brume laiteuse. Comme ce miroir qu’éclipse à demi un éventail de paraffine (Sérum), nos yeux souffrent de cataracte, littéralement d’une opacification du cristallin. Matière cireuse et légèrement translucide, la paraffine est récurrente dans l’exposition. Socle mouvant où viennent se figer deux embouchoirs (Les Pas perdus) ou dégouliner la nacre d’un coquillage (Sous le lac gelé), elle hésite entre génération et engloutissement des formes.
Ailleurs, ce sont des cônes en cire, instruments du tableau vivant Le Belvédère, qui se trouvent réemployés dans Sarabande. En « situation », ils effaçaient les visages de leurs opérateurs et portaient leurs cataractes jusqu’à une diaphanéité céleste. Le tableau vivant évanoui, ils s’agencent en nature morte : ils se fanent, se flétrissent, comme si la manipulation dont ils gardent les traces avait opéré sur eux un transfert de qualité, de la peau à la cire.
« On naît dans un cristal, mais le cristal ne retient que la mort, et la vie doit en sortir après s’être essayée. » écrit Gilles Deleuze dans L’Image-temps. De même ici les œuvres portent l’empreinte d’une vie qui les a essayées : gants esseulés (L’Appréhension), échasses rouillées (L’Étang). Le cristal a fait fuir la vie, n’en a retenu que des lambeaux et quelques simulacres. Les figures macabres qui demeurent, dessinées à la javel sur du tissu, chahutent dans la nuit de l’inconscient. Serait-ce leur danse qui voile notre regard, opacifie le cristal, forme l’écume de ces cataractes ?
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SALON DE MONTROUGE - MATHILDE VILLENEUVE - 2013
À rebours d’une société virale qui n’a de cesse d’accélérer la vitesse de propagation de l’information et d’amplifier les échanges par l’invention de nouvelles interfaces de communication, Adelaïde Feriot pétrifie le cours des choses et propose des corps à corps saisissants avec le spectateur.
En demandant à des actrices de s’immobiliser en public, de prendre une pose pour faire une pause à l’endroit d’une action en train de se faire, elle choisit d’exposer l’instant fragile de la décision. Ou comme l’indique le titre d’une de ses pièces, de L’ hésitation. celle que met en scène une jeune femme assise, le visage figé dans la déconstruction d’un kaléidoscope, nous renvoyant, via le démontage de l’instrument de vision, à notre propre désir d’en percer le secret de fabrication.
Tout se passe comme si, sans recourir à un appareil photographique, l’artiste nous faisait assister à la révélation d’une image, tandis qu’entre les regards qui ne se croisent jamais s’installe un jeu de rebond et de mise en abime. La possibilité de voir sans être vue, possible face à une peinture, est ici nuancée par la présence réelle de la performeuse. À l’instar du tableau vivant qui tend à faire coïncider le vivant et sa représentation, ces mises en scène immobiles déploient le regard en l’érotisant. « Groupes sculptés, tableaux vivants, filles de chair observées dans la rue ou lors de scènes plus intimes, » écrit Alain Robbe-Grillet, « l’objet du désir est toujours arrêté, comme immobilisé par le regard [...] » Ce corps désiré des actrices, qui expérimente l’inertie parfois de longues heures durant, est aussi un corps contrôlé, impassible face aux regards alentours, recentré sur lui-même. À quoi pensent ces présences graciles (Le Belvédère, 2012) ponctuant l’espace immaculé de l’exposition et affublées de cônes en cire qu’elles tiennent à leur visage – une réplique d’un accessoire de perruquier, qui telle une prothèse vient en partie les cacher ?
Puisant dans ce qui habille les corps, Adélaïde Feriot s’intéresse à ce qui nous « présente » au monde. Ici une collerette en papier blanc est à tel point agrandie qu’elle étouffe le visage de celui qui la porte, et dévoile son corps devenu anonyme, moulé de la tête au pied dans une combinaison blanche. Là les sculptures argileuses d’un gant et col de chemise convo- quant une grammaire du geste. Et quand l’artiste choisit de quitter la figure humaine, pour s’essayer par exemple à des représentations par transfère photographique de nuages, c’est avec la même exigence d’une quête d’abstraction du sujet qui ne doit pour autant jamais le renier et d’une capture d’une présence évanescente dont elle cherche à exposer la permanence.
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DU PORTRAIT IMPASSIBLE AU PORTRAIT IMPOSSIBLE - CLAIRE MOULENE - 2012
Tout « fait image » dans les oeuvres d'Adelaïde Feriot. Qu'il s'agisse de ses tableaux vivants ou de ses transferts (une technique d'impression autrement appelée « sublimation »), il est toujours question de cerner une image, de la saisir dans un temps suspendu ou de la faire émerger dans sa matérialité.
Ce faisant, l'artiste opère deux mouvements contradictoires. Prenez « The Observer », tableau vivant présenté dans sa version finale à l'occasion de la Fiac 2011 suite à une invitation de la Biennale de Belleville. Sur « scène », une jeune femme pose, accoudée à une table sur laquelle sont disposées des photographies mutiques de fragments de corps. Rigide, emmuré, son visage est un masque de cire que rien ne vient perturber hormis sa propre horloge interne et un battement de cils incontrôlable. La performance bascule du côté de l'image iconique et devient, ainsi, intouchable. A l'inverse, dans ses transferts et notamment dans cette dernière petite peinture à la palette rose poudrée qu'elle présentait lors de son exposition personnelle à la MV Gallery, Adelaïde Feriot engage un véritable corps à corps avec une image qui résiste et n'a de cesse de se défi- ler. Le motif, une fillette aux yeux fermés affublée d'un appareil dentaire, se dérobe derrière les passages répétés des impressions. « Face à l'omniprésence des images, au « tout visible » de rigueur aujourd'hui, j'aime l'idée que l'image ait du mal à apparaître ou à se révéler » confie ainsi l'artiste en même temps que l'improbable recette de sa « cuisine interne » pour la réalisation de ses trans- ferts graciles. Cette cuisine, à entendre au propre comme au figuré puisque cette jeune artiste travaille littéralement dans l'espace exigu de sa cuisine, fait partie intégrante du processus qui sous tend la nature même des images.
De la même façon, la récurrence de certains motifs (instruments, prothèses, tuteurs et autre fragments corporels) font écho à la fa- brique de ses images et aux contraintes plastiques et conceptuelles avec lesquelles elles composent. On pense alors à l'oeuvre délicate autant que dérangeante de l'autrichien Markus Schinwald qui dans ses toiles (petites toiles de maître chinées et customisées) et ses sculptures, met en scène des corps prolongés par des extensions physiques. Chez Adelaïde Feriot aussi l'on retrouve la présence incongrue de quantité d'appendices (prothèse dentaire, collerette géante, pinces demoiselle, manchettes, gants et attaches) qui as- treignent les corps et les déplacent sur le versant de l'image et de la représentation mentale plutôt que sur le terrain d'une sensorialité.
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LE SOUFFLEUR - FRANCK BALLAND - 2012
Adélaïde Feriot est une jeune artiste dont le travail est de toutes parts traversé par la présence du corps (re- présenté ou réel, au sein de l’œuvre ou celui du spectateur), qu’elle manipule et soumet à des prothèses en tous genres.
Une phase antérieure à la présentation spatiale des pièces produites par l’artiste réside dans l’accumulation d’images, dont elle procède à un archivage aussi minutieux qu’entropique. Si cette pratique de compilation visuelle est devenue pour beaucoup chose courante – Internet ayant favorisé la transmission et l’accès aux multiples formes de documents numériques – elle est ici interrogée comme une collection de gestes, d’attitudes et de codes vestimentaires. Dans cet atlas, outil de mise en relation des images recueillies par l’artiste, s’incarne une constellation de figures, de signes et de conventions qui peupleront son œuvre. Comme une créature autophage affamée par sa propre chair, cette collecte invisible se mute alors en des dispositifs polymorphes hantés de gestes humains arrachés à leur contexte.
Dimensions complémentaires à celle, plane et immobile, de l’image, l’espace et le temps sont les données fondamentalement requises à la constitution de ce que Adélaïde Feriot nomme ses poses. Si le tableau vivant désigne le cadre dans son ensemble, juxtaposant la notion de décor à la présence de personnes pour l’activer, la pose introduit la dimension contemplative léguée au spectateur. Spectateur qu’il serait parfois plus à même de qualifier d’observateur, en s’inspirant du titre d’une scène que l’artiste a présenté au Grand Palais lors de la dernière édition de la FIAC pour la biennale de Belleville : The observer.
Une jeune femme assise à son bureau fait face à une sélection de photographies, cadrages de gestes et bribes de corps dont elle semble avoir interrompu la manipulation pour rester là, immobile, aspirée par ces images, étrangère aux yeux inquisiteurs. Sur deux socles autour d’elle, reposent d’un côté des cols en plâtre blanc, de l’autre une petite loupe grossissant une aile de mouche. Jeu de basculement et de miroir où se trouve mis en abîme le regard même (le public observe la jeune femme qui observe des gestes, tandis que la loupe augmente la capacité d’observation portée au reste animal), le dispositif trouble l’intimité d’une contemplation méthodique. Cette attention qu’elle porte au regard, à ses modes d’opérations et à ses incidences sociales, Adélaïde Feriot l’étend aux objets qu’elle réalise. Seulement cette fois, le processus s’inverse et le visiteur actionne mentalement leurs usages.
L’artiste américain Tony Smith avait pour habitude de qualifier ses sculptures minimales de « présences », autour desquelles il avait pris l’habitude de cheminer dans son atelier. Bien que fixes, les sculptures de Adélaïde Feriot sont pareillement animées d’une présence vibratoire, paradoxalement suscitée par l’absence des êtres qui témoignent de leurs fonctions réelle ou symbolique. Col de chemise, collerette ou bâton de souffleur de verre, ils demeurent comme les vestiges d’actions, de gestes antérieurs qu’il faudra reformer mentalement. Les éléments de syntaxes dispersés d’un énoncé qui aurait perdu son sens.